●「行為を書く」

　劇作というのは言葉をただ並べていくだけではできない。

　Ａ　「こんにちは」

　Ｂ　「こんにちは」

　というやりとりを書くとき、「こんにちは」という「言葉」を書くのではなく「『こんにちは』と喋っている人物の行為」を書かなければならない。そしてＡの「こんにちは」から始まった会話の最後で、Ｂに「愛してます」と言わせたいと考えたとき、そこに至るまでの二人の「行為を書いていくこと」が劇作の基本にある。

●「素材・方法・形式」

　劇の要素として「素材・方法・形式」というものがある。笛という楽器にたとえるなら「どんな笛（素材）を、どう使って（方法）、どのような音楽を奏でる（形式）か」ということである。つい間違えてしまうのは「『素材』が新しければ新しいものを書ける」と思ってしまうことである。今話題になっている新しい素材を使っても五年経てば古くなる。今まで用いられてきた形式にとらわれていても仕方ない。一番大切なのは「どのように書くか」という「方法」である。この「方法」を別の言葉で言えば「ドラマツルギー」であり、建物にたとえるなら「構造」である。よりいいものを作り出そうと思い、新しいドラマツルギーを生み出そうと考えるならば、何によって劇は動いていくのかという根本のところを問題として、考え抜かなければならない。ドラマツルギーというものに意識的にならなければならない。しばしば素材としての材料やどんな風に観せるかという形式にとらわれてしまいがちになるが、それは建物でいえば「壁をどのように装飾するか」ということにすぎないのだ。構造体自体を変えていけばこれまで見たことのない建物ができるかもしれない。そういうことについて考えていかなければならない。

●「歴史的に考える」

　２６００年前のギリシャ悲劇から現代の劇までを見つめると、現在当たり前だと思っていることが実は当たり前でないことだということがわかる。プロセニアムの舞台形式や劇場を暗くしたり客席の

扉を閉めること。こういったことが確立されてきたのは18世紀である。

　また、「神」や「王」が長い間描かれてきたのに対し、「人」が描かれるようになったのはドラマツルギーの変遷の中では最近になってからである。これらは極めて強力なドラマツルギーであり、このような方法によって書かれたものを近代劇と呼んでいる。

●「身体について」

　われわれの身体は生物学的にみればそう大きな変化をしていない。しかし社会や世界によって変化していく身体というものがある。今大会で富士高校が上演した「紙屋悦子の青春」の中で、女は男たちの前では座布団をよけて座り、男たちは当然のように座布団の上に座る。女は常に男たちの下にあったという制度がそういう身体を作ってきた。制度や環境によって変化していく身体といったものを見つめていくことで、劇というものを変えていける可能性がある。

●「何も起こらないということ」

　機会があったら読んでほしい本に、別役実さんの「ベケットといじめ」というのがある。ベケットはアイルランドの劇作家で、１９５０年代に「ゴドーを待ちながら」という劇を書いたことで有名である。ウラジミールとエストラゴンという二人の男がゴドーという男を「ただ待っている」という劇だ

が、これは極めて新しい方法によって描かれた劇であった。「人」と「人」が関わり、何かが変化していくという近代劇に対し、待つだけで「何も起こらない」ことを書いたということは、ドラマツルギーという点においては大きな変化である。これが「不条理劇」と呼ばれるものだ。

　「ベケットといじめ」の中で別役さんは１９８０年代に中野富士見中学校で起こったいじめ事件について分析している。ある日いじめの対象となった生徒の机に、彼の写真と花、他の生徒たちからのお悔やみの言葉が書かれた紙が置かれた。有名な「葬式ごっこ」であるが、これを近代的なドラマツルギーで描くならば、この後いじめの主体との対立が起こったり、その対立に割って入る誰かが登場したりして物語が進行するはずだ。しかし、実際には「何もおこらなかった」。彼は「俺が来たらこんなことしてやんの」と言い、机の上を片付けこの出来事は終わる。そこには、この出来事をただ見ているだけで「何もしなかった」人たちの悪意が存在する。

　かつて「個」と「個」が言葉を使わずにつながっていた時代があった。その関係がしだいに言葉によって線としてつながっていくわけだが、現代は言葉によってつながらず、「個」と「個」が点とな

り、「孤」となってしまっている。人と人がつながらなくなってしまった現象を近代劇的な方法で書こうと思っても、もう描けない。こういった現象を描く方法がもっと別にあるのではないか、もっと考えるべきことがあるのではないか、そういった視点で事象をみつめていくことが、現在というものを読み解き、劇として語っていく方法を考える手がかりとなっていく。

●「劇的なるものを疑う」

　「何かが起こる」ことによって劇が生まれるということを疑ってみることが必要だ。「面白い出来事」だけを書いていって、それが劇になるかというと、そうはならないかもしれない。平凡に見える日常の具体的なものだけを積み重ねていくことにより、豊かな劇ができていくかもしれない。

　「紙屋悦子の青春」は、戦争中の日常を淡々と描いているだけで、舞台上では何も起こらない。日常を切り取ったある部分しか舞台上では見えない。しかしその背後にある悲劇的なものを想像することができることであの劇は豊かになる。ある部分を描くことによって見えない部分をより想像させるような舞台が極めて豊かな劇だと思う。

●「『書く』ために」

　初めて劇を書くとわかると思うが、「劇を書く」ということは本当に大変なことだ。「書く」とい

うことは「手が書いている」ということだ。頭が書いているわけではない。とにかく手を動かして書いていくことで文章や戯曲というのはできていく。書きながらその中に自分が生きることによって、そこに人物が生き生きと現れてくる。言葉を発する人物が生きてくる。その人物の行為を書いていく。そうやって手を動かして書いていけば戯曲というものはできていく。

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　限定された場所・時間・役者。高校演劇の大会という性質上「形式」を変えることは難しい。しかし、まだ見ぬ「方法」による新しい演劇をいつか高校生の手で生み出してほしい。今回拝聴させていただき、そんなことを思いました。

　第三分科会は、先生ご自身の舞台芸術家としてのお仕事ぶりを紹介頂くところから始まりました。スライドを観るだけでため息が出るような、先生の創られた舞台を観ながら、それらの多くが「金にものをいわせて」創られたものではないことも詳細に説明して貰いました。

　「舞台は台本にあわせて創る」当たり前のことですが、舞台芸術家の先生が仰る言葉には重みがあります。「板に絵を描いただけでも、もし十分にお芝居を支えることができるのならば、それでいい。しかし、台本上重要な場面においては嘘っぽさが少しでも出てはいけない。」舞台のための舞台ではなく、お芝居のための舞台を心がけていらっしゃる先生だからこそ、舞台写真を観ただけで、観る者の心をとらえて離さない美しさが生まれるのだと、分科会参加者は納得しました。

　先生が用意されたスライドは、先生の幅広いご活躍を反映して、

プロのミュージカル、オペラ、オペレッタ、バレエ、モダンダンス、フラメンコなどから、所謂ファミリー系と呼ばれる昼間のステージ、毎回斬新な舞台が話題となっている中島みゆきの「夜会」などのコンサート系、さらには、屋外イベント、テーマパークのステージにまで及ぶものでした。時間の制約上、それらすべてを観て、お話を伺うことはできなかったことが残念です。

　先生は、ご自身の仕事の手順についても、詳しくお話下さいました。最初に台本を貰うと、ラフデッサンを作り、演出家と話し合うそうです。先ず自分で舞台をイメージし、その後で演出家とすり合わせ、コンセンサスを作り上げておくことが重要なのです。そして、演出家との間に一定のコンセンサスが得られると、次にいよいよ平面上のプランを作っていきます。平面上のプランは、必ず実寸大のものを用意するそうです。舞台正面を実寸大で再現することで見えてくるものが沢山あるそうです。勿論、その中に役者もサイズ通り入れてみるのです。そこまでできて、平面図が固まってから、道具帳を作り、装置の設計図を書き、大道具に発注するのです。

　平面図の作り方については、さらに詳しくお話し頂きました。その中で、「舞台を創ろうとしているホールが、通常どのように使っているかを聞くことが大切だ」と仰いました。ホールの舞台図だけに頼るのではなく、直接ホール関係者に聞くことが重要であるとも仰いました。「舞台の切り方」（「間口」や「たっぱ」の取り方）は、舞台設計の第一歩ですが、図面だけでは分からない情報もしっかり入れて行わなくてはならないのです。「舞台を切る」条件は、このホールの条件と台本による条件の二つです。「舞台を切る」ことができたら、次に縮尺図を作って大道具などを入れてゆきます。舞台に何もない空間があると、それは「から〜ん」と言って、あまり望まれませんが、台本によっては「から〜ん」があった方が良いものもあるそうです。とにかく、事前に計算し尽くしておくことが大切です。また、舞台の上の（高い）空間の処理の難しさにも言及されました。通常の高校演劇では、そこまで意識しないということまで詳しくお話を聞くことができ、参加者の多くは改めて舞台の奥深さを感じました。

　平面図ができたら、舞台の奥行きを考えて、空間的にイメージして行くことになります。そして、実際に装置、大道具をデザインして作っていきます。デザインには根拠が必要ですが、「デザインの根拠はあくまで台本である」と先生は仰いました。ホールの条件など様々な要因によって制約はありますが、なぜこうデザインしたのかという根拠は、すべて台本から説明されなければならないという言葉からは、先生の舞台芸術家としての厳しさが感じられました。

　実際に、装置・大道具を作る際の条件は「人・金・場所」の三つだと、先生は仰いました。「三つのうち一つでも潤沢にあるとかなりのことができる。自分たちには何があるのかを考えなさい。」とも仰いました。「お金がない」「作業場所がない」「部員がいない」と、「ない」ものを嘆くことは簡単ですが、そうではなく、「あるものを最大限に活用していけばかなりのことができる」という先生のお話は、会場の高校演劇関係者への激励のように聞こえました。そして実際に金をかけずに、その代わり場所を確保して作っていった装置や、金も場所もかけずに人海戦術で作っていった手の込んだ装置などをスライドで紹介して貰いました。

　先生は、装置、大道具を作る際の材料ついても詳しくお話しされました。材木の他、藁、竹、荒縄、段ボールなど、普段私たちがあまり使わない材料でも、工夫と、作業する場所や人手が確保されれば、十分によい舞台が作って行けることが、スライドをまじえて説明されました。荒縄だけで作った舞台など、とても素人には作れそうにありませんでしたが、先生は企業秘密ともいえる具体的な作り方を詳しくお話し頂きました。平面図を書くところから、先生がお話しされてきた通りの手順で設計して行けば、実はそんなに難しいことではないということもよく分かりました。

　さらに、デザインしたり作ったりする際に大切なこととして、「決定してゆくこと」をあげられました。何もないところに作って行くわけですから、その都度一つずつ決定していかなければ何も決められません。何も形として現れません。様々なジャンルの舞台を創り続けて来られた先生は、常にそういう決定を繰り返しながら、無の空間に限られた形有る物を一つ一つ配置し、観るものを舞台に惹きつけて来られたのだと思います。当たり前のことですが、その言葉の背後にある先生の世界を垣間見た気がしました。

　最後は、時間がなくなってしまいましたが、先生が現在お勤めの大阪芸術大学の学生さんらが作り上げた舞台のスライドなども紹介して貰いました。どれも工夫された、手間のかかった、興味深いものでした。先生は、高校生でももっともっと様々な舞台を作り上げて行く可能性があるということを示されたのだと思います。

　三日間に亘って審査員をお務め頂いた大田先生には、お疲れの中、舞台美術に関する基本的な考え方や作り方を教わっただけでなく、高校生らしい豊かな発想で舞台を考えて行く楽しさのようなものを教えてくださいました。この分科会の参加者が、今後よりよい、より多様な舞台を創って行くことが、先生への恩返しになるのではないかと感じました。

　先ずはじめに、長年の顧問経験の中からエピソードを紹介していただきました。

【清野先生】

　初めから演劇が好きでやっていたわけではないが、なぜか演劇を任せられてやってみたら、一人非常に光る生徒がいて、こういう生徒をのばしてやらなければならないと思ったことがきっかけだった。四月に演劇部員を勧誘するときは、入る生徒は演劇を観て入ってきてくれる生徒が殆どなので、小さい部屋で四日から五日間、歓迎公演をして集めている。部の中で大切なことが二つある。一つは「生活に始まって生活に終わる」ということ。二つ目は「ワンステージ完全燃焼」全国大会出場が目的ではなく、目的は演劇を通してきちんと生活が出来ること、社会人になっても出来る人になって欲しいと思ってやっている。ここ十年は顧問が全部面倒を見なくても生徒が自分たちでやっていけるような体制を作っている。一つ一つ命令されるのではなくて主体性を持ってやっていけるようにしている。約束事を守るということを大切にしている。男女交際のあり方から掃除まで、合宿したときなどにスリッパの整理、風呂場の片付けなどきちっと出来るように徹底している。一年生に命令するのではなくて、家族的な雰囲気の中で、自分で考えながら出来るようになることを目的にしている。

【久保田先生】

　大学を卒業して高校野球の監督になるつもりだったが、全く経験のない演劇を押しつけられたのが始まりだった。見よう見まねでやっていたがそのうち生徒がなついてくるとかわいくなった。なぜ演劇をやっているかと考えると、人間関係の暖かさが好きで、たまたまそれが演劇だったのだと思う。そのうち生徒にせがまれて創作脚本を書くようになり、どんどんのめり込んでいった。そして一つの大会に向かって我が家で何度も合宿を繰り返した。今振り返ってみれば、自分にとって高校演劇は合宿と人間関係の積み重ねだったように思う。そして、先ず顧問の力を高めて、それから生徒に還元しようと、高校演劇関係者だけで劇団を作った。そこにも根底にあるのは信頼しきった人間関係であると思う。今は大学の職員をしているが、高校演劇から離れられないのは、やはり培われた人間関係があるからだと思う。

【山本先生】

　人と集団で作ることに関心があり、小・中学校・高校とお芝居をやって来た。しかし高校では誰も指導してくれる人がいなくて、自分たちで勝手に練習していた。コンクールにも何も参加していなかった。もっと本格的な勉強がしたいと考えて、サークル劇団に顔を出したり、大学時代に東京で勉強した。再び大阪に戻って、たまたま勤めることになった学校が女子高校だった。どちらかというと激しい男っぽい芝居を色々やってきたため、女子ばかりだったのでどうしようかと思った。ところが、やれば出来るのだと思った。先輩から伝わってきたルールやしきたりのようなものがあったが、良いものは残せばいいし、悪いものは変えればいい。それが演劇の表現を新しくすることにもつながる。もちろん、上下間のモラルは必要だが、演劇は集団創造なので不合理な壁を作っては本当に時代に向き合えるようなものは作れない。二十数年前は高校生にふさわしくないと言われていたことでも、一度評価されると色々な人がやり出す。そういう例はいくつもある。女子ばかりだから出来ないということはない。工夫し努力すれば色々な表現が出来る。それが演劇の魅力でもある。

　この後は、関連した意見を言ったり、悩み事を相談したり、質疑応答や自由な意見交換などを織り交ぜて進められました。（抜粋）

「脚本選びと練習について」

・先ず良い脚本を選ぶという作業が演劇の第一歩。その力量をつけることがすべてについて第一歩。次にどのようにその脚本をふくらませていくかを考える。そのために絶対に必要なのはディスカッションを徹底すること。それなくして読み合わせなどの練習をしても一定以上の伸びはない。やがて破綻する。

・既成脚本の場合、一部の顧問と生徒で選んでしまうよりも、数人でいくつかの作品を、読み合っていくと良い。新しいもの古いものいろいろあって、その中から気を引いたもの絞り込んでいくと良い。

・部員数や練習期間から制限をして脚本を選ぶのは良くない。自分たちがどんなメッセージを込めたいのか、共感なり反発なり何か心が動いたものをやらないと、人の心は打たない。

　（上演校の脚本の選び方や練習方法なども紹介されました。）

「部員数不足について」

・部員集めは永遠の課題だが、秘策があったらぜひ教えて欲しい。ポスターを作ったからとか、歓迎公演をしたからといって集まる保証はない。結局は、それらをきっかけにして、見に来てくれる、手伝ってくれる、一緒にやってくれる人間関係を作っていくことだと思う。

・少子化でクラスも減ってくる中で深刻な問題だが、とにかく一人でも二人でも続けていくことが大切だと思う。

・チラシや招待状を書いたり、昼休みにイベントをやったり、声をかけたり、どんどん新しい方法を考えていく必要がある。

・中学校までの暗いイメージがあったり、高校でも意外にどんな活動をしているのか知られていないことがあるので、しっかりＰＲしたらどうか。何かをきっかけにして活発になることもある。

・地域で演劇などの活動をしている中学生に早くから声をかけておく。

　（自分たちはどうして演劇部に入ったのか考えました。）

　この他にも「部内での係の決め方」 「演劇部は休みが少ない」 「公演の無い期間の活動方法」 「部室や活動場所」 「公演の打ち方」 「三年生として一年生にどう伝えるか」等の話題で質疑応答や意見交換が続き、様々な視点から演劇について考えることが出来ました。